Qu'est-ce donc que la musique ?

A la fois un art, une science et un artisanat. Un art, j’emploie ‘art’ pour sa brièveté commode, mais je lui préfère ‘moyen d’expression’ (…)

Le musicien est, cependant, à la fois un intellectuel et un artisan : seule cette double attitude lui permet la cohérence vis-à-vis de ce qu’il désire exprimer.

Être chef d’orchestre…

Pour être chef d’orchestre, il faut une grande persévérance, de la patience, une lucidité aiguisée, beaucoup d’abnégation, et aussi, une bonne dose d’humour qui apaise les tensions latentes lorsque le travail continu porte tout le monde à l’irritation… Sans compter un mélange subtil d’autorité vis-à-vis des exécutants et de déférence à l’égard du compositeur. Il s'agit parfois, non seulement d'éviter les heurts ou d’arrondir les angles, mais de faire participer une collectivité à la compréhension de l’oeuvre en se référant donc à sa source : l'auteur.

De la direction d'orchestre

Selon Roger Desormière*, le but est d’arriver à la plus grande sobriété, se défaire peu à peu de tout l’inutile. Être sobre de gestes ne veut pas dire qu’il ne faut pas aller jusqu'au bout de l'expression et manquer de force et d’élan. Et encore, ne pas penser à l’effet sur le public, mais acquérir l’autorité morale qui donne l’ascendant sur les instrumentistes.

La pédagogie

Qui dit pédagogie dit discipline ; dit également communication. La pédagogie est un effet : la communication par la discipline d’un savoir.

De toute discipline, ce que l’on peut communiquer, c’est la pratique, l’expression personnelle qu’on a soi-même acquise ; en cela, point de difficulté insurmontable, mais ce qui est absolument incommunicable c’est l’imagination.

Je puis donner les outils nécessaires, développer votre sensibilité à les manier, diriger l'aptitude de vos facultés, mais dites-vous bien que si vous venez à moi sans imagination, vous repartirez sans imagination. Et lorsqu’on me pose la question de savoir si on est doué ou non, je réponds invariablement : posez-vous la question à vous-même… vous êtes là le meilleur juge.

Où en est-on ?

Je trouve important de se poser le problème, car il est temps de se le poser et temps de voir exactement où l’on va. Je ne dis pas de déterminer l’avenir, car les gens qui déterminent l'avenir en avance sont plutôt embêtants puisqu’ils se coupent du privilège de l’innovation et de l'aventure. Mais, cependant, nous ne sommes plus à l’époque où l’on découvrait des choses en retard.

Après un certain établissement, nous en sommes à une période de réflexions ; ou, pour aller plus loin, on doit réclamer un peu plus de réflexion, non seulement de la part de l’auditeur, mais aussi du compositeur.

Libérer la musique

Le cloisonnement est pour moi la mort des choses. Pour être efficace, tout devrait s’interpénétrer. Il faut aujourd’hui parvenir à une plus grande fluidité entre les différents plans d’action, et cela signifie que les cloisons étanches entre musique de chambre, musique symphonique, opéra, concert devront céder si l’on veut libérer la musique et la rendre communicable au plus grand nombre.

Pour éveiller la curiosité de la nouvelle musique…

Alban Berg donnait à une enquête cette réponse non dépourvue d’humour : « Jouer la musique nouvelle comme si elle était classique ; jouer la musique classique comme si elle était nouvelle ».

Un échange doit s’instaurer entre les deux domaines. Beaucoup de réticences disparaîtraient si le courant s’établissait de façon permanente entre la découverte des oeuvres nouvelles et la visite des oeuvres passées (…).

Dans cette perspective idéale, nombre de dilemmes sont à résoudre, nombre de difficultés à franchir (…).

Je commencerai par les réactions de l’auditeur. Dans les situations difficiles, elles ont toujours été comprises entre ces deux extrêmes : le rejet immédiat, ou le doute positif.

On se rappelle le mot de cette personnalité vieillissante du monde parisien à la première du Sacre du Printemps : « C’est la première fois, depuis soixante ans, que l'on ose se moquer de moi ». On se rappelle peut-être moins une note de Delacroix dans son Journal venant d'entendre, dans les années 1860, une exécution d’un des derniers quatuors à cordes de Beethoven, il écrivait à peu près ceci : « C’est l’oeuvre d’un fou ou d’un génie. Dans le doute, je parie pour le génie (…) ».

Ce que je souhaite, c’est changer l’esprit des gens. Ils ont des goûts hérités du passé ; ils cherchent la musique exclusivement au musée alors qu’elle est là dans le siècle, vivante.

Mon but est de promouvoir la pensée contemporaine à l'ombre de cet arbre gigantesque qu'est le passé. Aujourd’hui les gens ont un réflexe de défense ; ils sont davantage portés à préserver qu'à inventer. 

Roger Desormière, élève de Charles Koechlin, a dirigé l’Orchestre national de France et celui de l’Opéra de Paris. Il succédera à Charles Munch pour l’enseignement en classe d'orchestre du Conservatoire national de Paris.



Biographie : Né en 1925 à Montbrison (Loire), Pierre Boulez suit les cours d’harmonie d'Olivier Messiaen au Conservatoire de Paris. Il est nommé directeur de la musique de scène à la Compagnie Renaud-Barrault en 1946. Soucieux de la diffusion de la musique contemporaine et de l’évolution des rapports du public et de la création, Pierre Boulez, fonde en 1954 les concerts du Domaine musical (qu'il dirige jusqu’en 1967), puis en 1976 l'Institut de Recherche et Coordination acoustique/musique (IRCAM) et l’Ensemble intercontemporain. Parallèlement, il entame une carrière internationale de chef d’orchestre et est nommé en 1971 chef permanent du BBC Symphony Orchestra et directeur musical du New York Philharmonic Orchestra.

Professeur au Collège de France de 1976-1995, Pierre Boulez est l'auteur de nombreux écrits sur la musique. Il quitte la direction de l’IRCAM en 1992 et se consacre à la direction d'orchestre et à la composition.

Il dirige les meilleurs orchestres du monde et est régulièrement invité dans tous les grands festivals. L’année de son 70e anniversaire est marquée par une tournée mondiale avec le London Symphony Orchestra, et la production de Moïse et Aaron à l’Opéra d’Amsterdam dans une mise en scène de Peter Stein. Invité au Festival d’Art lyrique d’Aix-en-Provence en juillet 1998, il dirige une nouvelle production de Barbe Bleue de Bartók en collaboration avec la chorégraphe Pina Bausch. Une grande série de concerts avec le LSO en Europe et aux Etats-Unis, mettant en perspective le répertoire orchestral du XXe siècle domine les huit premiers mois de l’année de son 75e anniversaire. Compositeur en résidence au festival de Lucerne 2002. Il dirige en 2003/4 le triptyque Renard, Tréteaux de Maître Pierre et Pierrot lunaire dans une mise en scène de Klaus Michael Grüber au Festival d’Art lyrique d'Aix-en-Provence et aux Festwochen de Vienne. Revient à Bayreuth en 2004 et 2005 pour y monter Parsifal, mis en scène par Christoph Schlingensief.

L'année de ses 80 ans est marquée par de nombreux hommages et célébrations qui accompagnent ses tournées de concerts. Se retire quelques mois consacrés à la composition. Il reprend ses nombreuses activités en été 2006.

Tout à la fois compositeur, auteur, fondateur et chef d’orchestre, Pierre Boulez se voit décerner les distinctions telles que Prize of the Siemens Foundation, Leonie Sonning Prize, Praemium Imperiale of Japan, The Polar Music Prize, le Grawemeyer Award pour sa composition sur Incises, le Grammy Award de la meilleure composition contemporaine pour Répons, et il est à la tête d’une importante discographie qu’il développe en exclusivité avec Deutsch Grammophon depuis 1992. Son catalogue comprend une trentaine d’oeuvres allant de la pièce soliste (Sonate pour piano, Dialogue de l’ombre double pour clarinette, Anthèmes pour violon) aux oeuvres pour grand orchestre et choeur (Le Visage nuptial, Le Soleil des eaux) ou pour ensemble et électronique (Répons, ...explosante-fixe...). Ses dernières compositions sont sur Incises, créée en 1998 au Festival d’Edimbourg, Notations VII, créée en 1999 par Daniel Barenboïm à Chicago, et Dérive 2.